Llega el BAFICI a Mar del Plata

Del 25 al 30 de julio se llevará a cabo en el Teatro Auditorium la muestra itinerante de películas premiadas en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires. Esta selección de films significa una oportunidad única de acercarse a producciones que fueron aclamadas por la crítica especializada y que anticipan el clima cinematográfico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

El Bafici nació hace 10 años y en este tiempo se consolidó como uno de los festivales de cine más destacados del mundo, junto con el de Mar del Plata, con un importante reconocimiento y un lugar de privilegio de la agenda cinematográfica internacional.
Es visto como vehículo fundamental de promoción para la producción independiente, que aquí puede mostrar los filmes más innovadores, arriesgados y comprometidos.
El festival integra año a año diversas expresiones culturales y reúne en un dinámico ámbito a directores consagrados y nuevos talentos.
Con un amplio rango de películas que incluye premieres mundiales, estrenos argentinos y latinoamericanos, además de merecidas retrospectivas, es el evento más grande y prestigioso para el cine independiente en América Latina.

Cronograma de proyecciones


Viernes 25
16:30 El sueño del perro
18:30 How ohio pulled it off
20:30 Construcción de una ciudad
22.30 Intimidades de shakespeare y victor hugo

Sábado 26
14:30 Las variaciones marker / Agarrando pueblo / Trinchera luminosa
16:30 Cochochi
18:30 Resfriada
20:30 Historias extraordinarias

Domingo 27
14:30 El Sueño del Perro
16:30 Un Tigre de Papel
18:30 La rabia
20:30 Sabina
22:30 Resfriada

Lunes 28
18:30 La mirada febril
19:30 Historias extraordinarias

Martes 29
18:30 Construcción de una ciudad
20:30 Un tigre de papel
22:30 Sabina

Miércoles 30
18:30 Las Variaciones Marker / Agarrando pueblo / Trinchera luminosa
20:30 How Ohio Pulled It Off
22:30 La rabia

Cine francés gratis en el Auditorium

La grilla completa del ciclo:

Martes 3
16:00 hs. - Lola (1961 – 85´)
18:00 hs. - Las señoritas de Rochefort (1967 – 128´)

Miércoles 4
16:00 hs. - Los paraguas de Cherburgo(1964 – 91´)
18:00 hs. - La bahía de los ángeles (1962 – 89´)

Jueves 5
16:00 hs.: Piel de asno (1970 – 89´)
18:00 hs.: Las señoritas de Rochefort (1967 – 128´)

Viernes 6
16:00 hs. - La bahía de los ángeles (1962 – 89´)
18:00 hs. - Lola (1961 – 85´)
20:00 hs. - Jacquot de Nantes (de Agnes Varda – 1991 – 118´)

Sábado 7
16:00 hs. - Piel de asno (1970 – 89´)
18:00 hs. - Los paraguas de Cherburgo (1964 – 91´)
20:00 hs. - Jacquot de Nantes (de Agnes Varda – 1991 – 118´)

Continuando con los ciclos de cine del Teatro Auditorium, durante el mes de julio el ciclo de cine británico seguirá proyectándose. La lista completa de films para este ciclo es la siguiente:

MARTES 1: EL COCINERO, EL LADRON, SU MUJER Y SU AMANTE (THE COOK, THE THIEF, HIS WIFE AND HER LOVER, 1989). DIRECTOR: PETER GREENAWAY

MARTES 8: RICARDO III (RICHARD III, 1995). DIRECTOR: RICHARD LONCRAINE

MARTES 15: SECRETOS Y MENTIRAS (SECRETS AND LIES, 1996). DIRECTOR: MIKE LEIGH

MARTES 22: EL OCASO DE UN AMOR (THE END OF THE AFFAIR, 1999). DIRECTOR: NEIL JORDAN

Con entrada gratuita, dió comienzo un ciclo de cine británico denominado “De Alfred Hitchcock a Neil Jordan”.

El programa cuenta con la colaboración del British Arts Centre que coordina el prestigioso crítico Luciano Monteagudo y propone al espectador los films más representativos de aquellos directores a los que el BAC, a lo largo de 10 años, les dedicó homenajes y retrospectivas.

Trailer de "Mona Lisa", de Neil Jordan

Ciclo de cine británico gratis

Con entrada gratuita, dió comienzo un ciclo de cine británico denominado “De Alfred Hitchcock a Neil Jordan”.
El programa cuenta con la colaboración del British Arts Centre que coordina el prestigioso crítico Luciano Monteagudo y propone al espectador los films más representativos de aquellos directores a los que el BAC, a lo largo de 10 años, les dedicó homenajes y retrospectivas.

A continuación la programación completa del ciclo:

MAYO

MARTES 13 : HAMLET (HAMLET, 1948). DIRECTOR: LAURENCE OLIVIER
MARTES 20: EL QUINTETO DE LA MUERTE (THE LADYKILLERS, 1955). DIRECTOR:ALEXANDER MACKENDRICK
MARTES 27: RECORDADNO CON IRA (LOOK BACK IN ANGER, 1959). DIRECTOR: TONY RICHARDSON

JUNIO

MARTES 3: SLEUTH, JUEGO MORTAL (SLEUTH, 1972). DIRECTOR: JOSEPH L. MANKIEWICZ
MARTES 10: BARRY LYNDON (BARRY LYNDON, 1975). DIRECTOR: STANLEY KUBRICK
MARTES 17: LOS DUELISTAS (THE DUELLISTS, 1977). DIRECTOR: RIDLEY SCOTT
MARTES 24:PASAJE A LA INDIA (PASSAGE TO INDIA, 1984). DIRECTOR: DAVID LEAN

JULIO

MARTES 1: EL COCINERO, EL LADRON, SU MUJER Y SU AMANTE (THE COOK, THE THIEF, HIS WIFE AND HER LOVER, 1989). DIRECTOR: PETER GREENAWAY
MARTES 8: RICARDO III (RICHARD III, 1995). DIRECTOR: RICHARD LONCRAINE
MARTES 15: SECRETOS Y MENTIRAS (SECRETS AND LIES, 1996). DIRECTOR: MIKE LEIGH
MARTES 22: EL OCASO DE UN AMOR (THE END OF THE AFFAIR, 1999). DIRECTOR: NEIL JORDAN

Shine a Light: un documental...

Quiero ser justo. Justo conmigo pero también con quienes lean este artículo. Tardé en escribirlo y quizá llega tardío pero no podía terminar de decidirme. La cantidad de artículos que veneran a esta película marean. Shine a Light es un documental sobre los Rolling Stones. O por lo menos eso es lo que nos dicen cuando estamos a punto de entrar a la sala. Los primeros momentos de la película son prometedores. Mucha cámara en mano, mucho gesto, mirada y comentario del detrás de escena, mucho de eso que uno espera de Martin Scorsese en su rol documentalista. Sin embargo, transcurrido ese segmento pasamos a un recital (filmado con una imagen y sonido brillante) que poco tiene que ver con el documental, y que mucho tiene que ver con un recital para DVD. Se intercalan imágenes de archivo que son tan atrapantes como escasas. Quizás estoy siendo injusto, quizás me había construido una imagen distinta de lo que sería la película, quizás solo sea para fanáticos de los rolling; pero ¿dónde quedan todos aquellos que quieren disfrutar de la personalidad desbordante de Jagger o de las respuestas increíblemente creativas de Keith Richards?.

Trailer de la película

De H.G.Wells al Condensador de Flujo

Lo mejor es ser “retro”. Cuando las películas estrenadas en la semana no producen la sensación de necesidad por la escritura, hay que volverse hacia los orígenes. No muy lejos por supuesto. Bastará con mirar hacia 1985 y encontrarnos con Volver al Futuro I. Genial comienzo de la trilogía dirigida por Robert Zemeckis. Se trata de una película fantástica llena de aventura y además sumamente taquillera. Dueña de personajes inolvidables como Marty McFly, el "Doc" Emmett Brown y sus diferentes perros con nombres acordes a la época. El guión de la película fue escrito por Bob Gale y el mismo Robert Zemeckis, mientras que sus protagonistas fueron Michael J. Fox y Christopher Lloyd. En aquel momento la primera parte de la trilogía recaudó 210 millones de dólares, por lo que se convirtió en la más taquillera de 1985. Alan Silvestre fue el encargado de la banda sonora, que es recordada por los fanáticos como una verdadera joya cinéfila. Pero en definitiva habría que preguntarse qué es lo que más atrae del film. En primer lugar, es interesante recordar los antecedentes o el trasfondo de la narración. Hay un viaje en el tiempo a través de un De Lorean, automóvil trasformado en máquina del tiempo gracias al condensador de flujo. “La Máquina del Tiempo” fue una de las obras más interesantes de Herbert George Wells, más conocido como H. G. Wells. Uno de los mayores exponentes de la narrativa inglesa junto con Julio Verne. Wells en 1895 escribe esta novela y abre la literatura hacia una nueva visión sobre el tiempo, uniéndose a teorías y pensamientos radicales de la época. Pero a su vez, Volver al futuro presenta a Julio Verne como el pilar, o más bien como el mentor tácito del personaje Doctor Brown. Este no es un dato velado dentro de la historia. Es el mismo Christopher Lloyd a través de su personaje, quien da a conocer su fanatismo por obras como “20.000 leguas de viaje submarino” o “Viaje al centro de la tierra”. Y lleva su amor hacia el escritor inglés (notable representante del positivismo de su época) a tal punto, que llama a sus hijos Julio y Verne respectivamente. La película trabaja fuertemente sobre un metalenguaje. Hay secuencias que hacen referencia a otras películas (Taxi Driver, en Volver al Futuro III), los comentarios son tomados de la cultura popular, y, como mostramos, hay una alusión constante a ciertas obras de la literatura inglesa. Volver al futuro es a esta altura un clásico destinado a seguir renovándose con cada nuevo espectador que la descubra. Es una película con películas adentro, con historias y con autores. Una verdadera joya del cine “pochoclo”.

Sobre trilogías y envases

El tema está todo el tiempo. La aplicación de categorías, rótulos y clasificaciones. En definitiva, inútiles intenciones de darle forma a cosas que no siempre la tienen. En el cine es lo mismo: están los géneros pero también están las llamadas trilogías (aunque en ciertas ocasiones no son suficientes y aparecen las sagas). Una obviedad: para que exista una trilogía debe haber tres películas. Pero ¿qué es lo que deben compartir?. En primer lugar hay una cuestión narrativa. Bourne 1,2 y 3 (con sus diferentes títulos) comparten una misma historia dividida en tres partes. Lo mismo sucede con El Padrino, a diferencia de que hay una historia con tiempos más diferenciados. No hay una continuidad temporal tan visible como en Bourne. Sin embargo, hay que considerar otros factores que pueden dar lugar a una clasificación de tipo trilógica. Un caso interesante es el que construyó Alejandro González Iñárritu, director mexicano. Él es dueño de una verdadera trilogía, pero diferente a los ejemplos dados. Las tres películas no comparten personajes, no comparten historias, ni siquiera comparten tiempos o espacios. Se trata de “Amores Perros” (2000), “21 gramos” (2003) y “Babel” (2006). Aquí los elementos que unen a otras trilogías (como el caso de Matrix o el Padrino) no pueden aplicarse. Lo que vincula a las tres del director mexicano no es la historia sino la forma de desarrollar la historia. Hay que diferenciar entre el argumento y el método para contarlo. Entre el argumento y la estructura. Y es esa misma estructura la que se presenta en los tres casos. Es la llamada “vidas cruzadas”, “historias corales” o “estructura coral”. Cualquiera de estos nombres es válido. Se trata de una estructura devenida de la filmografía de Quentin Tarantino como puede verse en “Perros de la calle” o en “Pulp Fiction”. Es la ruptura del espacio y el tiempo, solo visible para el espectador, que da como resultado la unión de historias que parecen no tener ligazón alguna. Salvo en el caso de Bourne, que puede considerarse como una sola película de casi 9 horas, el mayor problema de las trilogías es que nos obligan a optar por una de ellas apelando a nuestras simpatías y gustos. En fin, como en la vida cotidiana todo es agrupable.

Amores Perros

Los Coen, el suspenso y la muerte

“Sin lugar para los débiles” desarrolla, bajo un espíritu de western moderno, la historia de un aficionado a la caza (Josh Brolin) que se topa con una enorme cantidad de heroína y más de dos millones de dólares en el medio del desierto. A partir de allí se desata una persecución sangrienta y encarnizada como pocas, en la que intervienen el bien y el mal representados por un Sheriff intuitivo (Tommy Lee Jones) y un asesino a sueldo sicótico (Javier Bardem). Los hermanos Ethan y Joel Coen hacen relucir en este guión adaptado lo mejor de su experiencia cinematográfica. Los temas que más los aquejan están presentes: la sociedad norteamericana como un orbe en el cuál la violencia está a la orden del día, la ambición centrada en botines millonarios y la muerte como fatalismo. Quienes se acerquen a “No country for old men” (título original) se van a embarcar en una historia donde el suspenso es el elemento del cuál más se nutren los jóvenes directores para dinamizar la historia. Un suspenso crudo y oscuro lleno de miradas perturbadas y de gestos indescifrables. El papel de Bardem, que le valió el Oscar como mejor actor de reparto, es perfecto. Se trata de un ser alejado de la realidad de todos los días. Un ser perturbado que ha logrado construir, a fuerza de un arma insólita y de dejar correr sangre por sus manos, un mundo en el cuál él puede jugar a ser Dios. Este western moderno se desarrolla a través de tomas perfectas con una iluminación que adjetiva cada instante de la historia. Los Coen colocan al espectador dentro de una trama oscura que se corresponde con lo que muestran. Otro elemento que dejan entrever en este film es el alejamiento en algunas escenas violentas. El efecto que producen al no mostrar directamente ciertas secuencias de violencia, es amplificar el sentimiento de temor ya que el espectador dibuja las peores imágenes dentro de su mente. “Sin lugar para los débiles” rescata aquellos pilares que hicieron de “Fargo” un gran film, y se convierte en un thriller provocativo, atractivo y disparador de diversas opiniones.

Trailer

3:10 a Yuma - Una vuelta al Western

El western no murió. Sigue latiendo y se fortalece de la mano de nuevos cineastas y productores que se animan a invertir tiempo, ideas y dinero en él. Esta semana en los cines de Mar del Plata se encuentra “3:10 a Yuma”, remake de aquella con Glenn Ford y Van Heflin estrenada hace 50 años. En esta oportunidad el duelo de titanes que nos propone el director James Mangold es entre Christian Bale y Russell Crowe. Dan Evans (Christian Bale) deberá trasportar, junto a un grupo de valientes, al legendario pandillero Ben Wade (Russell Crowe) para que sea condenado. “3:10 a Yuma” posee todos los condimentos del género. El bien y el mal, el honor, la ley como una forma de vida, tiroteos, héroes y caballos. Sin duda es una película muy entretenida, bien lograda e interesante. Ideal para disfrutar en el cine. El papel de Russell Crowe con su elegancia y atracción nos recuerda a John Wayne. Es el mítico malo-bueno. Si bien existen muchos temas para analizar acerca de la película es interesante colocarla dentro del movimiento de films que han surgido últimamente. La mayoría de los medios menciona, junto a esta, películas como Secreto en la Montaña, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (por contrato no podía acortarse el nombre) y Sin lugar para los débiles (No country for old men). De las tres películas, la primera replantea la visión del cowboy incorporando el tema de la homosexualidad; toda una revolución. La segunda, más allá de tratarse de un personaje histórico del Western como es Jesse James, no se realiza con los elementos tradicionales del género sino que se coloca desde una visión psicológica de los dos personajes principales (Jesse James y Robert Ford). Una verdadera genialidad. Y por último, la ganadora del Oscar, la de los hermanos Cohen. Indudablemente, hay algo de Western pero la historia va más allá de eso y lo sobrepasa. “3:10 a Yuma”, a pesar de partir de un Western al ser una remake, produce el efecto que el género creó. Produce esa identificación con el personaje malo pero histriónico, sanguinario pero poético. James Mangold supo retratar el clima, supo exprimir a fondo las actuaciones de Crowe y Bale, pero por sobretodo supo recuperar la tradición y la historia del Western para aggiornarlo definitivamente. Un producto cinematográfico digno de respeto.

Petróleo Sangriento: ambición, redención y sangre

Paul Thomas Anderson no hace uso esta vez de la estructura coral (o de vidas cruzadas) que caracterizó Magnolia, su film anterior. Por el contrario, en Petróleo Sangriento se ocupó de trabajar una sola historia con un tema que abarca casi la totalidad de la película. El argumento se basa en los negocios de excavación de petróleo de Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) a principios del siglo XX, a través de los cuales pasa de ser un simple minero a un verdadero magnate de la industria. El tema, indudablemente, es la ambición. Pero Anderson va más allá, lo trasciende y plantea cuestiones profundas y complejas como la relación entre padre e hijo, la soledad, el poder y la fe. La puesta en escena es muy interesante. Los planos y los movimientos de cámara son sumamente descriptivos. La difícil relación entre padre e hijo se manifiesta en planos abiertos, lejanos, carentes de afecto verdadero o cercanía. En cambio, los planos cortos, cerrados y concentrados se los lleva Daniel en las secuencias de mayores ganancias económicas. Las tomas en general son largas, con silencios dramáticos y composiciones de imagen atrapantes. La banda sonora fue compuesta por Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead. Es atractiva, pero ante todo sirve para describir visual y sentimentalmente lo que sucede en cada momento de la historia. La actuación de Daniel Day-Lewis se lleva la película entera. Los diálogos son perfectos y profundos. La oscuridad de la noche y los rostros iluminados por el fuego son el ámbito en que se desarrollan las charlas más íntimas y complejas. Si bien el papel de Paul Dano, como un creyente extremista e histriónico, parece equilibrar los personajes, nada le quita la gloria a Day-Lewis.

Sumando la fotografía impecable, las actuaciones, el tratamiento del tema, la banda sonora y ciertas partes simbólicas (como el entierro en petróleo o la escena de la iglesia) nos encontramos con una obra que hay que tener en cuenta. Las mayores críticas que recibió atacan el final de la película diciendo que es tragicómico. Por mi parte, la secuencia final de diálogo me pareció osada, dantesca y me recordó la redención que supone la secuencia final de los sapos en Magnolia.

Sweeney Todd: lo último de Burton

La primera reacción es que la película no convence. La idea de este artículo es analizar los diferentes elementos que la componen y así tener una visión global de los puntos positivos y negativos. A esta altura Tim Burton, y desde hace mucho tiempo, es un director consagrado. Sus películas llevan impresas marcas que permiten diferenciarlo inmediatamente. Sweeney Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet comienza con el clásico plano secuencia (toma continua sin cortes) de Burton en el cuál recorre la ciudad en la que se desarrolla la historia para llegar al objeto que le interesa: la barbería. A lo largo de la película los planos tienen el nivel al que Tim Burton nos tiene acostumbrados. La utilización de las luces y sombras es magnífica, y las coloca en función de la historia. Nada es dejado al azar. Al tratarse de una película oscura, en cuanto al tema que trata, la elección de los colores es muy sutil. El director del Jóven Manos de Tijeras hace uso de colores desaturados buscando llegar casi al blanco y negro pero siendo todavía color. Solamente una secuencia tiene colores vivos que sirve para equilibrar un poco la imagen tan oscura. El rojo sangre (y la sangre en sí misma) abundan. En cuanto a las actuaciones, al tratarse de un musical el nivel dramático de todos es muy alto. No hay ninguno que en alguna secuencia de la película no tenga que hablar a través de una melodía. Lo obvio: Johnny Deep actúa genial y además canta. La esposa de Burton, Helena Bonham Carter, siempre correcta y además canta. Muy interesante la actuación de Timothy Spall (La rata de Ron, en Harry Potter y el Prisionero de Azkabán). Hay quienes pueden llegar a considerar que hay un exceso de canciones en la película, pero está justificado desde el momento en que se trata de un film de género Comedia o Musical. Esa es la categoría en la cuál recibió el Globo de Oro a la mejor película. Por último, los elogios más grandes son para la banda sonora de Stephen Sondheim. La música fue precisa, perfecta y funcional a los diferentes momentos dramáticos de la película. Pero en definitiva el lector frente a tantos elogios se va a preguntar ¿cómo no convenció?. El punto débil de Sweeney Todd es la historia. No vamos a contar el argumento pero es simplista. Uno puede predecir fácilmente qué va a suceder. Quizá si dividimos la película en introducción, desarrollo y final, nos enfrentamos a una introducción aceptable, a un desarrollo que se desacelera y no convence, y a un final o clímax que (si bien deja puntos flojos y en suspenso) gusta mucho más que el desarrollo. Resumiendo, no es la mejor de Burton.