La influencia de Whitman

El 26 de marzo de 1892 murió Walt Whitman. Es considerado uno de los grandes poetas estadounidenses del siglo XIX. Se trata del portador de una obra lírica que ha generado no solamente admiración, sino una verdadera influencia en otros escritores de la talla de Pablo Neruda, Federico García Lorca y Jorge Luis Borges. “Hojas de Hierba” es el poema más extenso y famoso de Whitman y representa una significativa base de la poesía moderna. El mismo, está dividido en 52 fragmentos y constituye una muestra magnífica de la temática y del estilo que hizo grande a este escritor. En la primera parte se presenta a sí mismo diciendo que “A mis treinta y siete años, con una salud perfecta, he empezado a vivir”. Todos los temas en torno a los cuales escribe se hallan presentes en este poema: Dios, la naturaleza, el cuerpo, la vida y la muerte, el amor, la camaradería. Claramente su estilo lírico o épico, formado de versos amplios y frecuentes utilizaciones de paralelismos, recuerda al de los salmos bíblicos. Sin embargo, sus temas son mucho más originales. Muchas veces en los versos nos presenta temas como la libertad, la sexualidad, el alejamiento de dogmas y preceptos, la comunión con todos los seres y la democracia. Charles Chaplin, el gran genio del cine mudo que fue actor, director, escritor, productor y compositor, lo consideró siempre a Walt Whitman como la inspiración de todas sus películas. Es notable el hecho de que en “Tiempos Modernos”, uno de sus films más celebrados, Chaplin utiliza imágenes de la poesía de Whitman como por ejemplo la del protagonista dentro de la máquina. Sin duda, cuando hablamos de Walt Whitman estamos hablando de un autor clásico, y como tal su obra se sigue resignificando con cada nuevo tiempo. La admiración de Pablo Neruda, como anteriormente mencionamos, lo llevó a declarar en cierta oportunidad que “En mi opinión, existe un solo poeta, Walt Whitman”.

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En pascua suena Rock en Mar del Plata

En Semana Santa Mar del Plata será cede de varios espectáculos musicales para los jóvenes, tanto de rock como de reggae. Entre los más importantes se destacan la presencia de Charly García el sábado y el domingo a la medianoche en Abbey Road y de las tres bandas más convocantes de la ciudad: Descarrilados, Científicos del Palo y RonDamon.
El viernes 21 de marzo a las 22:30 hs. se harán presentes en Alem Café -Alem 3466- las bandas Hidden y Qué te pensás?. Hidden tocará algunos temas del nuevo álbum que aún no tiene fecha de salida pero que será dentro de éste año. Ambas bandas tienen influencia de Tool, Pink Floyd, Dream Theater, Porcupine Tree y King Crimson, entre otros.
En tanto, el sábado 22 a las 20 hs. se darán cita varios recitales entre los que se destacan en la Biblioteca Juventud Moderna -Diagonal Pueyrredón 3324- tres bandas con gran futuro artístico: Diasol que acaba de grabar su primer disco “Hacia nuevas razones” con la colaboración de Karamelo Santo (el baterista de Diasol tocaba con ellos), Pick, un solista que se presentará con un set acústico muy enérgico y Arritmia que es una banda que llega desde Lomas de Zamora con una fusión hardcore-punk.
También a las 20 hs, se llevará a cabo el SantaRock 2008 en la rotonda contrabandista (Santa Clara)
El domingo 23 la ciudad respirará reggae. A las 14 hs en el Chiringuito de Daprotis y la Costa tocarán gratis Beleza Reggera (formó parte del compilado local llamado “aca estamos” junto a bandas como RonDamon, La McIntosh, DJ Nelson, entre otras) Señor Tenga (banda de Avellaneda que estará presentado su nuevo disco “Naturaleza Inmensa”) y Naje. Además se harán presentes Riddim, una banda de reggae de Capital que estará presentando su nuevo cd “Preparen, apunten, fuego” el domingo 23 en el balneario Apolo XV del Complejo de Punta Mogotes a las 20hs y en La Mula y el lunes 24 sólo en la Mula.
También gratis pero en Luro y Mitre, desde las 16 hs. se realizará un recital recordando los 32 años del Golpe de Estado con la participación de Descarrilados, Científicos del Palo y RonDamon, entre muchas más bandas. Además se llevarán a cabo Muestras de Centros Clandestinos de la ciudad, Muestra de Organizaciones Políticas de los ´70 y proyección de documentales.
A las 20 hs. pero en la Vinotera Perrier (España 2051) tocarán Venus de Milo, una banda de hard rock local que presentará su single lanzado “Tarde” lanzado este año y Lettargo que es una banda con influencias como Arctic Monkeys y The Strokes.
Y por último, el día domingo concluye con la presentación de Flores Muertas a las 22 hs. en Plaza Italia. Este grupo junto a “La leyenda” arrancaron el 14 de marzo con el nuevo ciclo dedicado a la difusión de la música de las bandas de rock locales que se desarrolla en el Centro Cultural Osvaldo Soriano. Tocan bajo la influencia estilística de los Rolling Stones, con temas propios y versiones de la banda inglesa.
El lunes cerrarán la jornada musical La Whillington, una banda con 9 años de experiencia y varios cds en su recorrido. Lo harán en Luro y Mitre a partir de las 16 hs. Será gratuito para toda la familia.

"Vampiro" de Charly García con Gustavo Cerati



Rondamon

Culto al Eternauta

El Eternauta es una historieta argentina de ciencia ficción creada por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López. Fue publicada inicialmente en Hora Cero semanal de 1957 a 1959. Tuvo gran cantidad de secuelas y reediciones, y tanto la historia original como la mayor parte de dichas secuelas fueron objeto de frecuente análisis y controversia. En 1969 Oesterheld creó una nueva versión de la historia junto a Alberto Breccia y luego la secuela El Eternauta II con Solano López, ambas de un tono político más agresivo que la historia original. Oesterheld fue uno de los desaparecido durante la última dictadura militar argentina. Tras ello, otros autores crearían las secuelas "Tercera parte" y "Odio cósmico", mientras que Solano López crearía, conjuntamente con Pablo Maiztegui, "El mundo arrepentido", "El Regreso" y "La búsqueda de Elena". La historia comienza con un guionista de historietas, el propio Oesterheld, que en un ejercicio de metaficción se utiliza a sí mismo como personaje. Su participación en la historia consiste en escuchar la historia que le es relatada por Juan Salvo, el "Eternauta", un hombre que se materializó de pronto en su casa. A partir de allí Juan Salvo dará lugar al relato de la historia que lo llevó hasta allí. Uno de los puntos que más destacan los historietistas y periodistas especializados es la amplitud de interpretaciones sutiles, referencias veladas o segundas lecturas (algunas incluso involuntarias) que podrían hacerse de la obra. Además, el comentario más frecuente señala en los invasores y sus métodos referencias veladas a los golpes de estado de Argentina. En fin, "El Eternauta" reúne los mejores elementos narrativos para convertirse en una historieta de culto verdaderamente. Habla desde la ficción pero anclándose muy fuertemente en la realidad no solo Argentina sino también mundial.

Imágenes de la historieta

El robo y la inspiración de Munch

En la hoja se lee “Gracias por la falta de seguridad”. Lo que podría ser una frase irónica común y corriente dentro de una discusión sobre inseguridad, en este contexto no lo es. La hoja está allí donde debería estar el cuadro. Es el 12 de febrero de 1994 y “El Grito” de Munch fue robado. La banda de ladrones no fue vista, aunque el hecho fue a pleno día. Tres meses después los ladrones se dirigieron al gobierno noruego solicitando un millón de dólares a cambio de la entrega del cuadro. El gobierno rechazó la oferta y, poco después, el 7 de mayo el cuadro fue recuperado en una acción conjunta efectuada por la policía noruega en colaboración con la policía británica y el museo Getty. Diez años más tarde, el 22 de agosto de 2004, la versión expuesta en el Museo Munch fue robada a mano armada por dos hombres enmascarados, junto con la “Madonna” del mismo autor. El museo esperó una petición de rescate pero ésta nunca llegó. Se ofreció una recompensa de 97 millones de euros. Según el periódico sueco Svenska Dagbladet, el cuadro había sido quemado a fin de eliminar pruebas. Sin embargo, los dos cuadros fueron recuperados dos años después. Más allá del valor económico de la obra existe un dilema artístico acerca de la fuente de inspiración que dio lugar a esta maravilla. La mayoría de los analistas apuntan a la atormentada vida del artista. Munch en 1892 escribió una descripción interna con gran parecido a lo que plasmó en el lienzo: “Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza”. A finales del siglo XX, “El grito” adquirió el estatus de icono cultural que comenzó en el período abierto tras la Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revista Times utilizó El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de culpa y a la ansiedad. Entre 1983 y 1984, el artista pop Andy Warhol creó una serie de estampas en seda sobre las obras de Munch, que incluían El grito. La idea fue desacralizar la pintura devaluando su originalidad y convirtiéndola en un objeto de reproducción en masa. Así, una obra sobre la soledad existencial se abría paso hacia la postmodernidad y la reproducción en masa.

Compilado de obras

De H.G.Wells al Condensador de Flujo

Lo mejor es ser “retro”. Cuando las películas estrenadas en la semana no producen la sensación de necesidad por la escritura, hay que volverse hacia los orígenes. No muy lejos por supuesto. Bastará con mirar hacia 1985 y encontrarnos con Volver al Futuro I. Genial comienzo de la trilogía dirigida por Robert Zemeckis. Se trata de una película fantástica llena de aventura y además sumamente taquillera. Dueña de personajes inolvidables como Marty McFly, el "Doc" Emmett Brown y sus diferentes perros con nombres acordes a la época. El guión de la película fue escrito por Bob Gale y el mismo Robert Zemeckis, mientras que sus protagonistas fueron Michael J. Fox y Christopher Lloyd. En aquel momento la primera parte de la trilogía recaudó 210 millones de dólares, por lo que se convirtió en la más taquillera de 1985. Alan Silvestre fue el encargado de la banda sonora, que es recordada por los fanáticos como una verdadera joya cinéfila. Pero en definitiva habría que preguntarse qué es lo que más atrae del film. En primer lugar, es interesante recordar los antecedentes o el trasfondo de la narración. Hay un viaje en el tiempo a través de un De Lorean, automóvil trasformado en máquina del tiempo gracias al condensador de flujo. “La Máquina del Tiempo” fue una de las obras más interesantes de Herbert George Wells, más conocido como H. G. Wells. Uno de los mayores exponentes de la narrativa inglesa junto con Julio Verne. Wells en 1895 escribe esta novela y abre la literatura hacia una nueva visión sobre el tiempo, uniéndose a teorías y pensamientos radicales de la época. Pero a su vez, Volver al futuro presenta a Julio Verne como el pilar, o más bien como el mentor tácito del personaje Doctor Brown. Este no es un dato velado dentro de la historia. Es el mismo Christopher Lloyd a través de su personaje, quien da a conocer su fanatismo por obras como “20.000 leguas de viaje submarino” o “Viaje al centro de la tierra”. Y lleva su amor hacia el escritor inglés (notable representante del positivismo de su época) a tal punto, que llama a sus hijos Julio y Verne respectivamente. La película trabaja fuertemente sobre un metalenguaje. Hay secuencias que hacen referencia a otras películas (Taxi Driver, en Volver al Futuro III), los comentarios son tomados de la cultura popular, y, como mostramos, hay una alusión constante a ciertas obras de la literatura inglesa. Volver al futuro es a esta altura un clásico destinado a seguir renovándose con cada nuevo espectador que la descubra. Es una película con películas adentro, con historias y con autores. Una verdadera joya del cine “pochoclo”.

Teatro infantil y jornadas sobre Tolkien en El Galpón de las Artes

Durante este fin de semana largo, se llevará a cabo varios espectáculos destinados al entretenimiento de los más jóvenes y de los no tanto. En el Galpón de las artes – Rawson 3073-, el viernes a las 20 hs se presentará el espectáculo teatral “Pobre de nuestro niño Guy”. La obra se centra en una historia poética, que invoca el mundo de los shamanes y los magos. El libro está inspirado en un mito maya y llevado adelante por el Grupo Galpón de las Artes. Su precio es accesible (la entrada costará $3.-) y su duración aproximada es de 30 minutos. Mientras que el día sábado, continuando con la temática del teatro infantil, se presentara la obra “Ruidosa Pandereta”. Esto será a partir de las 18 hs. Todo se sitúa alrededor de una Rana hechicera, un Tigre cachorro y un Loro oloroso que emprenden una gran aventura: van en busca de un ruidoso personaje que jamás vieron. Su duración rondará los 20 minutos y su costo será de $3.-
Además, el viernes comienzan las 4tas Jornadas Marplatenses Sobre Tolkien en el Galpón de las Artes. La reunión se estará realizando los días Viernes 21, Sábado 22 y Domingo 23 de marzo, de 16 a 22hs.El evento tendrá charlas, talleres, debates, proyecciones, galería de arte, actividades y teatro infantil, stands, buffet temático, juegos, sorteos, música y muchas mas cosas relacionadas con JRR Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. El cronograma de las jornadas que homenajean al escritor nacido en Sudáfrica podrán verse en el BLOG.
Viernes 21
16hsBreve introducción a la obra de Tolkien. Orador: Lucas De Juan
17hs Una Vida interesante. Oradora: Graciela Sifran
18hs Taller de Escritura Tengwar. Coord. Alejandro Amaya y Julia Yohai.
19hs Quiz. Juego de Preguntas y respuestas.
20hsTeatro. Pobre de nuestro niño Guy. Galpón de las Artes
21hs Mito y Logos en los relatos de Tolkien. Orador. Dr Alejandro Campos
Sábado 22
16hs Dioses, Monstruos y Heroes de keyenda en la Mitologia Griega. Orador: Nicolás Albaicero.
17hs Taller de cocina Hobbit. Coord. Fernanda Presti
18hs Teatro. Ruidosa Pandereta. Galpón de las Artes
19hs Taller de cota de Anillas. Coord. Jerónimo Campagnou
20hs Leyendas y Costumbres de los Eldar. Orador Fernando Baron
21hs Elfos vs. Hombres: tiempo ciclico y tiempo lineal. Grabriela Portantier
Domingo 23
16hs ArTolkien: Diseños circulares. Ordadora: Graciela Sifran
17hs Taller de dibujo. Graciela Sifran y Nicolás Giacondino
18hs Teatro La Emperatriz Peluda. Galpón de las Artes
19hs Taller de Rol y Cartas. Coord. Alejandro Amaya y Ariel Ale
20:30hs Torneo de dardos
21hs Sorteo - Palabras Finales
Para mayor información, http://ettelpesir.blogspot.com/

Sobre trilogías y envases

El tema está todo el tiempo. La aplicación de categorías, rótulos y clasificaciones. En definitiva, inútiles intenciones de darle forma a cosas que no siempre la tienen. En el cine es lo mismo: están los géneros pero también están las llamadas trilogías (aunque en ciertas ocasiones no son suficientes y aparecen las sagas). Una obviedad: para que exista una trilogía debe haber tres películas. Pero ¿qué es lo que deben compartir?. En primer lugar hay una cuestión narrativa. Bourne 1,2 y 3 (con sus diferentes títulos) comparten una misma historia dividida en tres partes. Lo mismo sucede con El Padrino, a diferencia de que hay una historia con tiempos más diferenciados. No hay una continuidad temporal tan visible como en Bourne. Sin embargo, hay que considerar otros factores que pueden dar lugar a una clasificación de tipo trilógica. Un caso interesante es el que construyó Alejandro González Iñárritu, director mexicano. Él es dueño de una verdadera trilogía, pero diferente a los ejemplos dados. Las tres películas no comparten personajes, no comparten historias, ni siquiera comparten tiempos o espacios. Se trata de “Amores Perros” (2000), “21 gramos” (2003) y “Babel” (2006). Aquí los elementos que unen a otras trilogías (como el caso de Matrix o el Padrino) no pueden aplicarse. Lo que vincula a las tres del director mexicano no es la historia sino la forma de desarrollar la historia. Hay que diferenciar entre el argumento y el método para contarlo. Entre el argumento y la estructura. Y es esa misma estructura la que se presenta en los tres casos. Es la llamada “vidas cruzadas”, “historias corales” o “estructura coral”. Cualquiera de estos nombres es válido. Se trata de una estructura devenida de la filmografía de Quentin Tarantino como puede verse en “Perros de la calle” o en “Pulp Fiction”. Es la ruptura del espacio y el tiempo, solo visible para el espectador, que da como resultado la unión de historias que parecen no tener ligazón alguna. Salvo en el caso de Bourne, que puede considerarse como una sola película de casi 9 horas, el mayor problema de las trilogías es que nos obligan a optar por una de ellas apelando a nuestras simpatías y gustos. En fin, como en la vida cotidiana todo es agrupable.

Amores Perros

Falleció Jorge Guinzburg

Al revés: Jorge entrevistado

Muerte de un Miliciano

Un elemento de la vida cotidiana es la fotografía. Es la idea del congelamiento de los instantes multiplicado actualmente por las posibilidades tecnológicas. Pero está el concepto de fotografía periodística. Se basa en el fotógrafo que capta la realidad en un instante con una notable capacidad de simplificación del concepto. En este sentido aparece la figura de Robert Capa como uno de los grandes corresponsales gráficos de guerra del Siglo XX. Su verdadero nombre era Endré Friedman. Nació en la ciudad de Budapest. A los 17 años conoció a Lajos Kassak, quien, con tendencias socialistas, se decidió a ayudar a cualquier artista con corrientes constructivistas. Dio a conocer la fotografía como un objeto social mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos en sus seminarios como los de Jacob Riis y Lewis Hine. En 1929 Robert Capa tuvo que escapar de Hungría por la presión del poder de Hitler en Alemania. Luego de pasar por diferentes países decidió trasladarse a España en 1936 con el estallido de la Guerra Civil Española. Capa estuvo en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña, captando las imágenes más desgarradoras a costo de su propia seguridad. Es allí, y bajo este espíritu de valentía dónde logrará su mundialmente famosa fotografía "Muerte de un Miliciano " (primera fotografía), tomada en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Ya cerca de la Segunda Guerra Mundial, Capa cubrió diferentes episodios de la invasión japonesa de China, y durante la guerra recorrió Italia, Londres y el Norte de África. En 1954, encontrándose en Japón fue convocado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y falleció. Así culminó su vida con una fidelidad total hacia sus propias palabras: “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente”.

Video con fotografías de Robert Capa y Thom Yorke

“El Túnel”, la soledad paralela

Hace 60 años se publicó por primera vez “El Túnel”. Es una de las tres obras en forma de novela que escribió el escritor argentino Ernesto Sabato, que este año cumplirá sus 97 años. Las otras dos son “Sobre héroes y tumbas” y “Abbadón el exterminador”. Nació en Rojas en 1911, ingresó a la Facultad de Ciencias Físico-Matemáticas de la Universidad Nacional de La Plata, fue militante del movimiento de Reforma Universitaria y Secretario General de la Federación Juvenil Comunista. Años más tarde comenzó a tener dudas sobre el comunismo y el régimen de Stalin. Llegó a doctorarse en Física y obtuvo una beca para realizar trabajos de investigación sobre radiaciones atómicas en el Laboratorio Curie de París. Sin embargo, se alejó del área científica y regaló toda su biblioteca tras el estallido de las bombas nucleares en Hiroshima y Nagasaki. La obra de Sabato es principalmente ensayística. El hombre, el amor, el odio y la soledad son algunos de los temas recurrentes en él. “El Túnel” es una obra que se erige sobre las bases de la novela psicológica del siglo XX. La historia se plantea en la primera oración. Es el asesinato de María Iribarne por el pintor Juan Pablo Castel. Sin embargo, no es un policial. Todo el suspenso posible no pasa por las circunstancias externas de los protagonistas sino más bien por su mundo interno y subjetivo. La novela además está llena de alusiones a otras obras como por ejemplo la mención de la ceguera que años más tarde aparecerá en el capitulo tres de “Sobre Héroes y Tumbas” bajo el nombre de “Informe sobre ciegos”. “El Túnel” es una obra brillante y apasionante. El personaje busca respuestas que el autor sabe que no encontrará. Y del mismo modo lleva al lector a hacerse esas mismas preguntas. ¿Hasta dónde es capaz de llegar un hombre?¿Hasta dónde nos lleva la soledad? Y en definitiva ¿en cuál de los mundos nos encontramos?. Sabato se permite crear un universo paralelo al de las calles cotidianas, como aquel otro cielo de Cortazar que se abría en las galerías parisinas. El escritor recoge lo mejor de las “Memorias del Subsuelo” de Dostoievski, de los laberintos existenciales de Kafka y hasta el planteo de la culpa y la redención de los autores rusos como Tolstoi. Ernesto Sabato es “El Túnel”, y “El Túnel” es el resumen literario de su obra completa.

Entrevista en Hora Clave

Felíz Cumpleaños, Astor

Hoy cumpliría 87 años el maestro Astor Piazzolla. Si bien esta revista (y blog) no están dedicadas a este gran marplatense, el recordatorio es inevitable debido a la inspiración y admiración que genera en nosotros.
Asimismo, hoy en el Teatro Colón, se celebrará su nacimiento a través del espectáculo musical "RECORDANDO EL 87º ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DE ASTOR PIAZZOLLA”.

Acá, nuestro humilde homenaje:

"Soledad"


"Michel Angelo"


"Lunfardo"



Información:
Sitio oficial
Biografía en Wikipedia

Los Coen, el suspenso y la muerte

“Sin lugar para los débiles” desarrolla, bajo un espíritu de western moderno, la historia de un aficionado a la caza (Josh Brolin) que se topa con una enorme cantidad de heroína y más de dos millones de dólares en el medio del desierto. A partir de allí se desata una persecución sangrienta y encarnizada como pocas, en la que intervienen el bien y el mal representados por un Sheriff intuitivo (Tommy Lee Jones) y un asesino a sueldo sicótico (Javier Bardem). Los hermanos Ethan y Joel Coen hacen relucir en este guión adaptado lo mejor de su experiencia cinematográfica. Los temas que más los aquejan están presentes: la sociedad norteamericana como un orbe en el cuál la violencia está a la orden del día, la ambición centrada en botines millonarios y la muerte como fatalismo. Quienes se acerquen a “No country for old men” (título original) se van a embarcar en una historia donde el suspenso es el elemento del cuál más se nutren los jóvenes directores para dinamizar la historia. Un suspenso crudo y oscuro lleno de miradas perturbadas y de gestos indescifrables. El papel de Bardem, que le valió el Oscar como mejor actor de reparto, es perfecto. Se trata de un ser alejado de la realidad de todos los días. Un ser perturbado que ha logrado construir, a fuerza de un arma insólita y de dejar correr sangre por sus manos, un mundo en el cuál él puede jugar a ser Dios. Este western moderno se desarrolla a través de tomas perfectas con una iluminación que adjetiva cada instante de la historia. Los Coen colocan al espectador dentro de una trama oscura que se corresponde con lo que muestran. Otro elemento que dejan entrever en este film es el alejamiento en algunas escenas violentas. El efecto que producen al no mostrar directamente ciertas secuencias de violencia, es amplificar el sentimiento de temor ya que el espectador dibuja las peores imágenes dentro de su mente. “Sin lugar para los débiles” rescata aquellos pilares que hicieron de “Fargo” un gran film, y se convierte en un thriller provocativo, atractivo y disparador de diversas opiniones.

Trailer

El arte del provocador

Como venimos informando desde hace algún tiempo desde la revista, estará hasta el 24 de marzo la muestra de León Ferrari llamada “Heliografías” en el Teatro Auditórium. León Ferrari (de 87 años) es un artista plástico argentino considerado por el New York Times como uno de los cinco artistas plásticos vivos más provocadores e importantes del mundo. Para muchos su nombre comenzó a sonar en el año 2000 cuando presentó su muestra “Infiernos e idolatrías” en el Instituto de Cooperación Iberoamericana, que fue atacada por algunos grupos que arrojaron gases y pinturas. En 1965 había presentado en el Premio Di Tella, con consecuencias similares a las del 2000, “La Civilización Occidental y Cristiana”. Durante la última dictadura militar vivió en San Pablo Brasil donde se dedicó a las esculturas metálicas y realizó experiencias con fotocopia, arte postal, microficha, video-texto, libro de artista y heliografías. “Heliografías” es una serie que si bien no es lo más representativo de León Ferrari, sirve para poder tener un acercamiento a él. Pero particularmente en este artículo se quiere volver de un modo lo más objetivo posible a la obra que marcó el conflicto: “La Civilización Occidental y Cristiana”. Se trata de una escultura en la cuál se utilizó la imagen de Cristo crucificado a un avión de las fuerzas armadas de EEUU. Hay que considerar el punto de vista de quienes se sintieron afectados por la obra de Ferrari. Lo explícito de la imagen de Cristo podría haberse evitado para no causar molestias y no generar actos de violencia. Podría haber desarrollado el concepto sin aludir a dicha imagen. En aquel momento (1965) la obra hacía referencia a la guerra de Vietnam y en la actualidad se considera que hace referencia a la de Irak. Quienes siguieron los discursos del Presidente Bush a partir de la caída de las torres, durante la guerra en Afganistán y en los momentos previos al enfrentamiento en Irak, se encontraron con una visión maniqueísta de un tono fuertemente religioso. Esto en definitiva se encuentra plasmado en esta obra. Ferrari, más allá de lo conflictivo de sus creaciones, sigue presentándose como un artista con un manejo plástico y subjetivo de los elementos sumamente interesante. Pero también es real que temas como el aborto, la homosexualidad, la blasfemia, la inquisición y la Iglesia como institución, le sirvieron para exacerbar las relaciones con los católicos y hacer masiva su obra. Hasta el 24 de marzo habrá oportunidad de conocer con entrada libre y gratuita a este artista argentino que despierta odios y admiraciones.

La vida a través del Partener

“El Partener” es una obra inteligente. Maneja los tiempos, es atractiva y nos deja involucrarnos tanto en la obra que al salir de la sala Nachman del Teatro Auditórium seguimos discutiendo sobre ella. Como dice el breve resumen que entregan antes de empezar, se trata de caminos desencontrados. Principalmente de tres personas que en clave gauchesca plantean la relación entre padre e hijo (siempre a punto de romperse), la búsqueda personal de un presente y un futuro, y la visión de la vida a través del arte. Los personajes son Pacheco (Rodolfo Barone), Nico (Jorge D. Faienzo), Nydia (Ivana Fernández) y la Paraguayita (Sandra Bell). La música original en guitarra es ejecutada en vivo por Osvaldo Albornoz. “El Partener” es una obra de humor que esconde un drama de la vida que es la incertidumbre. Un drama que sin embargo deja a la vista otras cosas que valen la pena como la esperanza. La actuación de Barone es atractiva, altiva, pero ante todo emana teatro. Nos hace reír con sus modismos y expresiones, pero a su vez nos dice que Pacheco está solo, sólo en su cobardía hacia la vida. El papel de Nico es entrañable. Quiere recuperar el rol de hijo que quizá jamás tuvo. Tiene infantilismos propios de quien le hace una gracia al padre buscando una sonrisa cómplice. Es un personaje romántico que así plantea su vida. Nydia es la jóven hermosa, soñadora que busca y seguirá buscando hasta que la felicidad, en cualquiera de sus formas, la alcance. Por su parte, la Paraguayita es la ruptura y la explosión de humor que la obra tiene a cada rato. Es grotesca, simpática y graciosa, al estilo Pacheco. En fin, la obra de Mauricio Kartun es una obra para ver. No tiene limitaciones de edad. Trata de la vida, nos permite identificarnos, nos deja pensando. Con sus fracasos, sus miradas distantes, sus sentimientos desencontrados, sus ironías y gracias, “El Partener” es la búsqueda de un lugar en el mundo que todos hemos sufrido alguna vez.

Revista Astor y su apoyo de la Secretaria de Cultura

Esta es la carta por la cual la municipalidad de General de Pueyrredón, a través de la Subsecretaría de Cultura, brinda su apoyo a este emprendimiento llamado Revista Cultural Astor

3:10 a Yuma - Una vuelta al Western

El western no murió. Sigue latiendo y se fortalece de la mano de nuevos cineastas y productores que se animan a invertir tiempo, ideas y dinero en él. Esta semana en los cines de Mar del Plata se encuentra “3:10 a Yuma”, remake de aquella con Glenn Ford y Van Heflin estrenada hace 50 años. En esta oportunidad el duelo de titanes que nos propone el director James Mangold es entre Christian Bale y Russell Crowe. Dan Evans (Christian Bale) deberá trasportar, junto a un grupo de valientes, al legendario pandillero Ben Wade (Russell Crowe) para que sea condenado. “3:10 a Yuma” posee todos los condimentos del género. El bien y el mal, el honor, la ley como una forma de vida, tiroteos, héroes y caballos. Sin duda es una película muy entretenida, bien lograda e interesante. Ideal para disfrutar en el cine. El papel de Russell Crowe con su elegancia y atracción nos recuerda a John Wayne. Es el mítico malo-bueno. Si bien existen muchos temas para analizar acerca de la película es interesante colocarla dentro del movimiento de films que han surgido últimamente. La mayoría de los medios menciona, junto a esta, películas como Secreto en la Montaña, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (por contrato no podía acortarse el nombre) y Sin lugar para los débiles (No country for old men). De las tres películas, la primera replantea la visión del cowboy incorporando el tema de la homosexualidad; toda una revolución. La segunda, más allá de tratarse de un personaje histórico del Western como es Jesse James, no se realiza con los elementos tradicionales del género sino que se coloca desde una visión psicológica de los dos personajes principales (Jesse James y Robert Ford). Una verdadera genialidad. Y por último, la ganadora del Oscar, la de los hermanos Cohen. Indudablemente, hay algo de Western pero la historia va más allá de eso y lo sobrepasa. “3:10 a Yuma”, a pesar de partir de un Western al ser una remake, produce el efecto que el género creó. Produce esa identificación con el personaje malo pero histriónico, sanguinario pero poético. James Mangold supo retratar el clima, supo exprimir a fondo las actuaciones de Crowe y Bale, pero por sobretodo supo recuperar la tradición y la historia del Western para aggiornarlo definitivamente. Un producto cinematográfico digno de respeto.

Fernando Ynoub músico marplatense

Hoy 1 de marzo se presenta el cantautor Fernando Ynoub en El Galpón de las Artes, Rawson 3073, a partir de las 22.30. Ynoub continúa así con la presentación de su disco “El primer día del resto de mi vida” de 2007. “Lo que estoy haciendo en los últimos shows, y particularmente en este, es "defender" en vivo el primer disco”. Asimismo, Fernando adelantó en exclusiva a Revista Astor que estará presentando algunos nuevos temas de su próximo disco. “Presenté 2 temas el show anterior, voy a presentar 2 nuevos este sábado. Después lo otro que hay en el show son versiones de otros artistas que no solo trato de tocar la canciones de otros sino que les doy forma de acuerdo a mis posibilidades musicales ya que estoy con mi guitarra y mi voz, y a veces me acompaña un teclado”. Con una larga trayectoria en nuestra ciudad, que se inició en 1994 cuando funda la agrupación Versus, Fernando Ynoub se destaca por su repertorio que, como él mismo lo define, “son canciones con letras claras, para ser escuchadas, cantadas y que tienen una música que acompaña a esas letras”. El estilo musical dentro del cual se mueve Ynoub es de lo más diverso. “Puedo usar –afirma el cantautor- cosas que suenan medio flamencas, cosas más populares, más rockeras, pero en definitiva los temas se interpretan con una guitarra y un piano y si hubiera una banda sería con una batería y un bajo”. Debido la variedad de sus influencias es la razón por la cual figuran artistas de todos los estilos musicales. “Si lo tengo que emparentar con alguien, me siento como cualquier hacedor de canciones, salvando las genialidades como Calamaro o Jorge Drexler”, concluye Fernando Ynoub. Además, nos adelanté algo sobre su nueva placa discográfica. Aunque aún no tiene fecha de grabación, Fernando Ynoub afirma que “van a ser 10 u 11 temas, la mayoría ya están compuestos, y en el contenido, siento que va a haber un gran cambio en relación al primero: las canciones están mas logradas, voy a ser más ambicioso con el sonido”. En su sitio www.fernandoynoub.com.ar/web/ se puede encontrar toda la información sobre sus presentaciones así como también se puede descargar de forma gratuita su primer disco.